目前，圣母抱着死去的儿子的话题当下热度很高，同样对于圣母抱着死去的儿子油画大家又了解多少呢？今天，不妨同康晓百科聊一聊这个有关话题。
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米开朗基罗的作品《圣母哀悼圣子》？
这不是画而是雕塑，而且不叫你说的名字而是叫做《哀悼基督》。 米开朗基罗《哀悼基督》雕像的题材取自圣经故事中：耶稣被钉上十字架后，圣母和门徒们立即赶来奔丧，耶稣托付约翰好好照顾自己的母亲，并对大祭司波拉多说：“我一向光明正大地对世人说话”，说完即仰面向苍天大声呼号：“父啊!我将我的灵魂交在你的手里! ”即断了气，圣母将儿子的尸体抱在怀里，陷入深深的悲哀之中。米开朗基罗《哀悼基督》雕像表现耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着耶稣身体痛哭的情景。 米开朗基罗接受这件雕刻时，正值萨伏纳罗拉被教庭火刑，此事深深地震动了他的心灵，雕刻家在构思时毅然超越一般哀悼的情节，大胆地将萨伏纳罗拉的精神和自己的思想感情，社会理想融在一起塑造圣母和基督的形象，紧紧把握基督临终前的表白：“我一向是光明正大地对世人说话!”。雕刻家以耶稣为自己心目中崇敬的萨伏纳罗拉，而以圣母象征祖国意大利，祖国为失去伟大的儿子而哀悼。 作品采用了稳重的金字塔式构图，圣母宽大的衣袍既显示出她四肢的形状，又巧妙地掩盖了身体的实际比例，解决了构图美与人体实际比例之间的矛盾问题。耶稣那脆弱而 *** 的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比，统一而富有变化。 圣母年轻而美丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住耶稣的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着爱子的身体，似乎正陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了厚实的双肩，面罩衬托出姣美的容貌。 圣母的表情是静默而复杂的，不只倾泻了无声的哀痛，也不只充满了哀思和祈祷，是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。米开朗基罗说：“圣母玛丽亚是纯洁、崇高的化身和神圣事物的象征，所以必能永远保持青春。”所以在这里，米开朗基罗突破了以往宗教作品中苍白衰老的模式，把圣母刻画成一个容貌端庄美丽的少女，却并未因此而影响到表现圣母对耶稣之死的悲痛。圣母的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美的追求的更高理想。 雕像中死去的耶稣肋下有一道伤痕，脸上没有任何痛苦表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，身体如体操运动员一般细长，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力。 这件作品是米开朗基罗早期最著名的作品，雕像的 *** 具有强烈的写实技巧，作者没有忽略任何一个细节，并对雕像进行了极其细致入微的打磨工作，甚至使用了天鹅绒进行摩擦，直到石像表面完全平滑光亮为止。这一切都赋予雕像以生命力，使作品显得异常的光彩夺目。 当红衣主教格罗斯拉耶来看米开朗基罗雕刻的进展情况时，惊讶地问道：“告诉我，我的孩子，圣母的面貌怎么能保持得这么年轻，比她的儿子还年轻呢?”米开朗基罗答道：“主教大人，在我看来，既然圣母是纯洁崇高的化身，是神圣事物的象征，就一定能避免岁月的折磨和世事的毁损，所以她能保持青春的鲜丽。”主教对米开朗基罗的回答感到十分满意。雕刻家所创造的圣母体现了青春的永恒与形象的不朽性。 米开朗基罗将自己的名字之一次刻在了雕像中圣母胸前的衣带上，上刻着“佛罗伦萨人米开朗基罗·波纳罗蒂雕”作品一经展出，立即轰动了整个罗马城。从此，它便与作者米开朗基罗的名字一起成为了艺术史册中光辉的一页。
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圣彼得大教堂有哪三件宝？
最惹人注意的雕刻艺术杰作主要有三件:
一是米开朗基罗24岁时雕塑作品《圣母哀痛》。圣母怀抱死去的儿子的悲痛感和对上帝意旨的顺从感在作品中刻画得淋漓尽手。这里所表现的圣母痛苦状与米开朗基罗以後的作品迥然不同；
二青铜华盖是贝尔尼尼的雕制的青铜华盖。它由4根螺旋形铜柱支撑，足有5层楼房高那么高。华盖前面的半圆形栏杆上永远点燃著99盏长明灯，而下方则是宗座祭坛和圣彼得的坟墓，只有教皇才可以在这座祭坛上，面对东升的旭日，当著朝圣者举行弥撒；
三是圣彼得宝座，也是贝尔尼尼设计的一件镀金的青铜宝座。宝座上方是於光芒四射的荣耀龛及象牙饰物的木椅，椅背上有两个小天使，手持开启天国的钥匙和教皇三重冠。传说这把木椅是圣彼得的真正御座，後经考证为加洛林国王泰查二世所赠送。
达芬奇画作分布？
达·芬奇留存下来的画作（壁画、油画和独立素描）相比其他大师而言，数量非常少。目前全球普遍认同是他真迹的作品不足20件。除了如今下落不明、仍存争议的《救世主》外，有共计15件油画被世界各地的博物馆所收藏；此外，伦敦国家美术馆、法国卢浮宫博物馆以及意大利帕尔马国家美术馆还分别藏有三张素描肖像：《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》《伊莎贝拉·德·埃斯特肖像》以及《女子头像》。
岩间圣母（卢浮宫版）
法国巴黎卢浮宫博物馆
《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）
这幅创作于1503年左右的画作据说是佛罗伦萨布商弗朗西斯科·德尔·焦孔多（Francesco del Giocondo）的妻子丽莎·格拉尔迪尼（Lisa Gherardini）的肖像。它可能是为了纪念两件事中的一件——焦孔多和他的妻子在1503年买了房子；他们的第二个儿子安德里亚在女儿夭折后，于1502年12月出生。
覆盖在蒙娜丽莎头发上的黑色面纱曾经被认为是一种哀悼面纱。事实上在那个时期的佛罗伦萨，这样的面纱通常被作为美德的标志。她的衣着也很普通，并没有作为贵族身份的象征。然而达·芬奇没有将这幅肖像交给委托人，而是带到了法国。在他死后，这幅画成为了法国国王弗朗索瓦一世的收藏。
《岩间圣母》（The Virgin of the Rocks，卢浮宫版）
达·芬奇的《岩间圣母》有两个版本，一幅收藏于卢浮宫，另一幅则存于伦敦国立美术馆。卢浮宫这一幅属于相对早期的版本，作于1483至1486年。有人认为因为委托人并不十分满意这幅画作，所以在1500至1503年左右被路易十二获得。
《岩间圣母》（卢浮宫版）是达·芬奇已知的之一幅在米兰创作的画作，在风格上与他在佛罗伦萨逗留末期创作的作品有相似之处，比如《三博士来朝》和《荒野中的圣杰罗姆》，但其美学概念得到了发展。严格有序的金字塔形状构图并不妨碍人物的运动，而人物精心编排的手势在漫射光下呈现出一种新的强度，这种强度在不削弱人物造型的前提下，使轮廓变得更加柔和。
《施洗者圣约翰》（St.John the Baptist）
《施洗者圣约翰》创作于1513至1516年间，当时正值文艺复兴的鼎盛时期，通常被认为是达·芬奇的最后一幅绘画作品。许多人对这部作品持批评态度，认为达·芬奇令人不安地将一个憔悴而暴躁的人物形象，描绘得似乎雌雄同体。他手臂弯曲在胸前，手指伸向天空，脸上挂着神秘的微笑，这个微笑正如蒙娜丽莎的微笑一样，常见于达·芬奇其他许多画作中。指向天堂的手指也经常出现在达·芬奇的作品中，象征着基督的降临。
圣母子与圣安妮
《圣母子与圣安妮》（The Virgin and Child with Saint Anne）
这幅画很可能是为了庆祝法王路易十二女儿的出生而委托圣安妮教堂创作的，但达·芬奇在这幅画上花了太长时间，直到1519年他去世的时候，他仍旧在继续绘制这幅创作了20年的画像。实际上，自1517年这幅画出现在达·芬奇的工作室后，就再也没有人把它交给路易十二。这幅画很有可能是弗朗索瓦一世从达·芬奇的助手那里以相当一大笔钱购得的。
“圣母子与圣安妮”一直是画家们喜欢的主题，但通常他们的表现方式都非常静态，而在这幅画中，三个角色都充满韵律和情感。这是达·芬奇对人物构图进行实验的一个很好的例子，极大地启发了下一代艺术家，被认为是西方艺术最珍贵的杰作之一。
美丽的费隆妮叶夫人
《美丽的费隆妮叶夫人》（La Belle Ferronnière）
这幅画是在1495年左右完成的。一个普遍的观点认为这幅画中的人物是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎（Ludovico Sforza）的第二任情妇鲁克雷齐娅·克里韦利（Lucrezia Crivelli）。他的之一任情妇则是达·芬奇另一幅画作《抱银貂的女子》中的主人公。
关于这幅画作是不是达·芬奇的真迹仍有争议。画中人物的姿势比较僵硬，这对达·芬奇来说并不寻常，而且这个女人的五官比他肖像画中通常看到的更厚更重。但那些赞成这幅画是达·芬奇真迹的人指出，她肩膀上打结的丝带和脖子上的绳子确实很像他的风格。卢浮宫方面认为这幅画是达·芬奇在米兰求学时所作。它的绘画技巧和《抱银貂的女子》几乎一致。
意大利米兰圣玛利亚修道院
《最后的晚餐》（Last Supper）
这幅高4.6米、宽8.8米的大型壁画被绘制在圣玛利亚修道院餐厅北面墙壁上。达·芬奇于1495年或1496年开始着手这幅壁画的绘制工作，并于1498年完成。
达·芬奇在创作这幅作品时，放弃了传统的湿壁画绘制法，采用新的溶剂调和方法，用油彩和蛋彩在干燥的墙面上直接作画。这是一种创新的尝试，但并不利于壁画长久保存，成为导致壁画最终恶化的主要原因。这幅壁画经过了多次修复，最近的一次修复是在1999年完成的，当时使用了几种科学方法尽可能地还原原始颜色，并消除了之前修复壁画时使用的颜料痕迹。
意大利米兰安波罗修美术馆
《音乐家肖像》（Portrait of a Musician）
直到1904年，人们才在画作下面发现手和乐谱，正是这些赋予了这幅画现在的名字。自这一发现以来，人们也在努力辨认画作中所描绘的人物是谁。在那个时期，米兰有两位重要的宫廷音乐家：法朗基诺·加甫里奥（1451～1522）和乔斯坎·德·普雷斯（约1450～1521）。但没有明确的迹象能让人们辨认出这幅画中究竟是谁。
这幅画并没有完全完成，也没有签名，关于创作者是谁仍存在争议。如果它是达·芬奇的作品，那么就是他唯一一幅男性肖像画。
意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆
《受胎告知》（The Annunciation）
这幅画的主题是天使加百列向圣母玛利亚告知她将受圣灵感孕而即将生下耶稣的故事。1867年，这幅画被从佛罗伦萨圣罗撒堂外的圣巴尔托罗教堂带到了乌菲齐美术馆。目前还不清楚它最初是被放置在哪里，也不知道是谁委托创作的。它被普遍认为是达·芬奇年轻时的作品之一，当时他还在安德烈·德尔·韦罗基奥（Andrea del Verrocchio）的画室里工作。他在画中模仿了韦罗基奥的一项发明：讲坛的形状，其灵感来自佛罗伦萨圣洛伦佐教堂的“痛风者”皮耶罗·迪·科西莫·德·美第奇的坟墓。
《三博士来朝》（Adorazione dei Magi）
1481年7月的一份文件显示，达·芬奇接受了奥古斯都僧侣的委托，为佛罗伦萨城外圣多纳托教堂的高祭坛绘制一幅画。达·芬奇承诺在30个月内完成，主题是《圣经》中东方三博士朝拜耶稣基督的故事。根据这一主题，达·芬奇研究了极其复杂的构图和丰富的人物，以圣母和耶稣为中心，呈半圆形排列。前景中，跪着的东方三博士向耶稣献上黄金、乳香和没药等礼物。
然而，1482年达·芬奇动身前往米兰，使得这幅画作被暂停在粗略草图的初始阶段。自1670年起，该画便收藏于乌菲齐美术馆。
意大利罗马梵蒂冈博物馆
《荒野中的圣杰罗姆》（St.Jerome）
《荒野中的圣杰罗姆》是达·芬奇一幅未完成的画作，仍处于素描阶段。目前还没有关于这幅画是由谁委托、为哪里创作的信息。关于这幅画最早的提及可以追溯到19世纪初，当时瑞士画家安吉莉卡·考夫曼（Angelica Kauffmann）在遗嘱中提到这幅画作是达·芬奇的。考夫曼死后，它又一次消失了，直到被偶然发现，并被拿破仑的叔叔、红衣主教约瑟夫·费什（Joseph Fesch）买走。
红衣主教发现这幅画被分成了两部分：下半部分在罗马的一个二手商店里，被做成了一个箱子的盖子；另一部分则在他鞋匠的商店里，圣徒的头部部分被用作长椅的楔子。人们可以看到，这幅画曾被切成五个部分。红衣主教死后，这幅画被拍卖和出售了多次，直到它被教皇庇护九世（1846至1878年在位）购买。
英国伦敦国家美术馆
《岩间圣母》（The Virgin of the Rocks，英国版）
英国国家美术馆的《岩间圣母》是卢浮宫所藏的同名作品的姊妹篇。当年，完成的作品被送往卢浮宫后，达·芬奇为米兰圣方济各圣殿画了一幅替代品，可能是1508年在他的工作室的帮助下完成的。
《抱银貂的女子》
波兰克拉科夫国家博物馆
《抱银貂的女子》（Lady With an Ermine）
这幅画是达·芬奇于1489至1490年完成，描绘的是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇切奇莉娅·加莱拉尼（Cecilia Gallerani），是迄今已知的达·芬奇四幅有关女性的作品中的一幅。大约在1800年的时候，波兰伊莎贝拉·恰尔托雷斯卡公主的儿子亚当·耶日在访问意大利时买下了这幅画作，将它送给了位于普瓦维的家族博物馆，并于1809至1830年期间在“哥特房间”里展出。这个博物馆是由这位公主于1796年建立的，用来保存波兰遗产。在普瓦维的时候，画中人物曾被错误地认为是法国国王弗朗西斯一世的情妇“蓓儿·菲罗奈瑞”。
现在的研究者指出，米兰公爵委托创作的这幅画像中，貂暗指的是他自己，因为他也被称为白貂。此画体现了文艺复兴时期的一种观念，即形象是一种自然活力的幻觉。达·芬奇能够做到这一点，要感谢他的解剖学知识和他的用光技巧，这使他能够在图像平面上创造一个三维的人体形象。最初的背景在19世纪被涂上了黑色，也像人物一样用光来建模，这给人一种模特从阴影中走出来的印象。
为了永久地将这幅传世名作留在波兰境内，2016年波兰文化部和克拉科夫国家博物馆从恰尔托雷斯卡基金会手中购回了这幅作品，并于2017年开始在博物馆的主楼展出。
俄罗斯圣彼得堡国立埃尔米塔什博物馆
《哺乳圣母》（Madonna Litta）
这幅作品表现的是耶稣在吮吸圣母玛利亚的乳汁。尽管该幅画作一直被认为是达·芬奇1482年搬到米兰后创作的，但这一说法一直存在争议。有些专家认为此画并不是达·芬奇单独完成的，因为两个主体人物轮廓比较坚硬，背景相对平淡无奇，这和达·芬奇的风格不相符。但圣母头部倾斜的姿势是达·芬奇的典型特征。因此，达·芬奇很可能是为这件作品设计了构图，并完成了圣母的头部，其余部分则由他的学生——可能是马尔科·德奥焦诺（Marco d'Oggiono）或乔瓦尼·博尔特拉菲奥（Giovanni Boltraffio）——在他的监督下于1480至1490年前后完成的。值得注意的是这幅画中缺少光晕，达·芬奇所创作的其他几位圣母也表现出同样的特点。
《哺乳圣母》自完成后，一直保存在米兰。它从维康提斯家族流传到了米兰的利塔家族，并以利塔为其命名。1865年，俄罗斯皇帝亚历山大二世从利塔家族手中买下此画，并将它放置在国立埃尔米塔什博物馆。自第二次世界大战以来，博物馆曾数次将它出借到其他地方展出，包括巴黎（1962年）、莫斯科（1962年）、马德里和米兰（1990年）、罗马和威尼斯（2003～2004年）、伦敦（2011年）。
《柏诺瓦的圣母》（Madonna Benois）
据说，《柏诺瓦的圣母》是达·芬奇在佛罗伦萨创作的，并由一群流浪的意大利音乐家带到了俄罗斯。不过，这幅画是在18世纪90年代的一场拍卖中售出可能更合理。1908年，它出现在圣彼得堡著名的建筑师李昂提·贝诺阿（Leonty Benois）的家族收藏中。在《斯塔耶·戈迪》（Starye Gody）杂志组织的一场展览中，埃尔米塔什博物馆的策展人恩斯特·利法特（Ernst Liphart）认定这件作品是达·芬奇的早期画作。据记载，这幅画是李昂提·贝诺阿的妻子从其父亲亚历山大·萨波日尼科夫（Alexander Sapozhnikov）那里继承下来的。萨波日尼科夫的一份画作目录现在被保存在阿斯特拉罕地区的国家档案馆中，这幅作品在那里首次被记录。
1912年，玛利亚·贝诺阿（Maria Benois）决定卖掉这幅画，把它送到了国外。伦敦古董商杜维恩（Duveen）愿意出价50万法郎买下它，但俄罗斯公众发起了一场运动，为国立埃尔米塔什博物馆筹集资金购买它。玛利亚·贝诺阿最终同意以15万卢布的价格将画卖给俄罗斯 *** ，以示友好。1914年，《柏诺瓦的圣母》成为了国立埃尔米塔什博物馆的收藏。这幅达·芬奇的早期画作自被埃尔米塔什博物馆收藏以来，只被借出过三次：巴黎（1935年），华盛顿、纽约和洛杉矶（1979年），以及佛罗伦萨（1984年）。
美国华盛顿国家美术馆
《吉内薇拉·班琪》（Ginevra de'Benci）
《吉内薇拉·班琪》是美洲所收藏的唯一一幅达·芬奇的真迹。该画创作于1474年，当时达·芬奇年仅21岁。吉内薇拉·班琪是佛罗伦萨一位富有银行家的女儿，她因为拥有众多仰慕者而闻名，不仅是因为她的聪明才智，还因为她与威尼斯驻佛罗伦萨大使贝尔纳多·本博（Bernardo Bembo）有一段“柏拉图式的恋情”。这幅肖像画很可能是在她16岁结婚时委托创作的。
这幅肖像也是达·芬奇最早使用油画这种新媒介进行的实验之一。画面表面的一些褶皱表明他仍在学习控制这种技法。而对自然的细致观察，吉内薇拉面部微妙的三维结构，都指向了达·芬奇文艺复兴时期绘画的新自然主义风格。吉内薇拉被逐渐加深的阴影所笼罩，既不是靠线条，也不是靠颜色或光线的突变。同时，达·芬奇开创性地把吉内薇拉放置在一个开放的环境中，而当时妇女们仍然普遍被小心地隐藏在家里，只有通过开着的窗户才能看到外面的风景。
在过去的某个时候，可能是由于损坏，画板底部被切掉了几英寸，吉内薇拉的手不见了。不过，根据达·芬奇一幅被保存下来的草稿，这幅画的全貌可能是：她的双手轻轻地抱在腰间，手里拿着一小枝花朵，也许是粉色的，这是文艺复兴时期肖像画中常用的作为忠诚和美德的象征。
在这幅画的背面是一个由三种植物组成的花环：杜松，以吉内薇拉的名字命名；棕榈，美德的象征；还有月桂，象征着她具有艺术的天赋。花环周围有一幅卷轴，上面写着一句格言：“美德以美装饰。”大多数佛罗伦萨女性在室内穿着奢华，而吉内薇拉的服装却很简单，她没有佩戴任何珠宝。
1967年，这幅画的原主人、列支敦士登公国的公爵弗朗茨·约瑟夫二世为了给儿子精心筹划一场婚礼，决定卖掉家族收藏的这幅15世纪的肖像画。经过多次失败的尝试，最终是美国国家美术馆在合适的时间以合适的价格买下了它——在该博物馆的网站上，这幅画显示的购买价格是500万美元，在当时，这是他们有史以来为一幅画支付的更高价格。
《持康乃馨的圣母》
德国慕尼黑老绘画陈列馆
《持康乃馨的圣母》（The Madonna of the Carnation）
达·芬奇创作这幅作品时，还在他的师父维罗基奥的工作室学习。画中的圣母带有维罗基奥工作室的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。而最能体现达·芬奇个人风格的地方是圣母身后凉廊外的风景，那是一排崎岖不平、犬牙交错的山峰。
画中两位人物充满活力的动作和服装细节的描绘都符合年轻达·芬奇的特点。圣母将圣婴抱在怀里，一手扶着他，一手拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。达·芬奇认为画作需要让人物保持绝对的肢体活力，母亲和孩子做出这些动作，使他们的情感异常深沉。
华山一位母亲和孩子的石像是谁？
华山一位母亲和孩子的石像是沉香和他的三圣母母亲，讲述的是沉香劈山救母的故事。沉香得知三圣母被困华山后，立即飞回华山，举起萱花开山神斧，奋力猛劈。只听得“轰隆隆”一声巨响，地动山摇，华山裂开了。沉香急忙找到黑云洞，救出了庙神三圣母。
达芬奇一生最有名的26张画？
` 达 芬 奇 `
（Leonardo da Vinci，1452年－1519年，白羊座）
· 达 芬 奇 最 出 名 的 23 张 画 ·
《 达 芬 奇 自 画 像 》
《自画像》是达芬奇的素描精品。在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中，画家观察入微，用的线条丰富多变，刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化，此画用线生动灵活，概括性强，简单的寥寥数笔却包含许多转折，体面关系，发线代面，立体感很强，还有，人物的表情也很传神。
《 最 后 的 晚 餐 》
（湿 壁 画 米 兰 圣 玛 利 亚 修 道 院 藏）
《最后的晚餐》是为米兰圣玛利亚修道院餐厅所画的壁画，取材于《圣经》中最重要的故事，也曾被达芬奇之前许多宗教画家描绘过。但在之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。这幅表现耶稣被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，巧妙的构图和独具匠心的经营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，画面占满了修道院食堂大厅的整个墙面，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。
《 蒙 娜 丽 莎 》
（板 上 油 彩 纵 77 × 横 53 厘米 巴 黎 卢 浮 宫 藏）
这是达芬奇的著名肖像画作品，它代表了达芬奇的艺术思想。画面描绘了一位恬静端庄的美丽少女，她充 满着对生活的喜悦和信心。画家敏捷地抓住少女一瞬间微笑的表情，表现出她微妙的心里活动，给观众以丰富的联 想。肖像以柔和的色调、细腻的手法刻画了少女的脸部、颈部和手部。这种甜美的艺术风格和文艺复兴时期对人性 的歌颂，以及对女性美的欣赏观念是完全一致的。达·芬奇用三年的时间在佛罗伦萨绘制了这幅肖像画，结果这幅油画成为了世界上最著名的油画作品，并永载史册。画面中肖像人物的身世、订画的意图以及后来是如何被法国王室收藏的，至今仍然是个谜团，无法确定。
《 安 吉 里 之 战 》
1504年，达芬奇和米开朗基罗受命在佛罗伦萨维奇欧宫五百人大厅的墙壁上绘制雄浑壮阔的战争场景，创作了著名的壁画《安吉里之战》，希望借助这幅作品将佛罗伦萨军队1440年上演的经典战役再次呈现在世人面前。由于一些原因，这幅用油画颜料创作的壁画最终未能完成。但与达芬奇同时代的人认为，《安吉里之战》无疑是他最伟大的绘画作品。
《 柏 诺 瓦 的 圣 母 》
（ 俄 罗 斯，圣 彼 得 堡，艾 米 塔 吉 博 物 馆 藏 ）
在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛莉亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。于是，玩弄花朵这个动作构成了整幅画的主题，而画面垂直的中心轴不偏不倚正好通过三只手和缓交错的地方，成为全画的中心点。玛莉亚穿着一身精致飘拂的蓝袍外加红裙与露出的红袖;她在胸前别了一只胸针，将蓬松的卷发精心地编成辫子。在这幅画中圣母与圣婴之间的顾盼与姿态尽溶于画的内在世界中，其所散发出的亲密感与同质性很难让观赏者将注意力从他们身上移开。
《 抱 貂 女 郎 》
（板 上 油 画 克 拉 科 查 托 斯 基 美 术 馆 藏）
此幅精美的肖像画，描绘了气质高贵、外表文静的切奇利亚·加勒兰妮，她是米兰的多维哥·史弗萨公爵的情 妇，备受宠幸。画家运用光线和阴影衬托出切奇利亚优雅的头颅和柔美的脸庞，怀中抱着的毛色光润、形态逼真的白貂使画面生动了起来。白貂在这里取其象征意义，成为他的个人化身，达芬奇的肖像画真正做到了形神兼备而 得到世人的推崇。
《 哺 乳 圣 母 》
（俄 罗 斯，圣 彼 得 堡，艾 米 塔 吉 博 物 馆 藏 ）
《哺乳圣母》是否有他学生的手笔，没有文字根据 。这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达.芬奇所惯用的描绘公式,过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。圣母怀里的婴儿形象被画得很生动 ,但在这里仍然是色彩处理让位于解剖结构的合理性。总之,这一幅画是达芬奇前期肖像艺术的一个范例 。这时期,达芬奇所全神贯注的,正是他对人体描绘的科学研究。
8、《 持 康 乃 馨 的 圣 母 》
（ 德 国 ， 慕 尼 黑 ， 古 代 美 术 馆 藏）
圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。
《 戴 珍 珠 头 饰 的 夫 人 像 》
众所周知，达芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”，但并非全然如此。他的美学观总的说是科学求实的精神。他所集中注意的是对自然规律的探索。达芬奇把容貌美丽的女性，看成是自然界最完美的产品，他曾说：“试想夺去一个如此美妙的自然造物的生命，那是多么残忍的行为。”所以在对待肖像画上，他时时把人的精神气质与外貌结构结合起来研究的。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性：那一丝不苟的脸部轮廓，美丽而整齐的秀发，古代贵妇的头饰上的珍珠，被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；黑色的披风和红色的束胸上衣，紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯，从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达芬奇在《蒙娜丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。
《 纺 车 边 的 圣 母 》
《纺车边的圣母》这幅画是达芬奇于16世纪初期创作的一副油彩画，画作中，年幼的耶稣手持形似十字架的纺织用绕线棒，而怀抱着他的圣母玛利亚正目光温柔的注视着他。这幅画作也是目前确认的达 芬奇的油彩画作品中，保存情况较为良好的一幅，为人们重现出了达 芬奇高超的绘画技巧，完美的展示出创作当时的精美。
1《 基 督 受 礼 》
（湿 壁 画 176.9×152 厘 米，乌 菲 兹 美 术 馆 藏）
在这幅画上，达芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，从人物造型和脸部的神情表现来看，要比老师所画的其他几个人物生动得多。达芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系，给人以极其真实可信的感受。尽管是初露头角，但可以看出达芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究，已经优于他的老师。色彩表现符合规律，形体的写实性十分强烈，因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使，目光炯炯有神，他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后，也颇有自愧勿如的心情。自此以后，达芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚，让达芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。
1《 吉 内 薇 拉 · 班 琪 》
这是达芬奇（1452-1519）最早的肖像画，创作这幅画时，他仍是韦罗基奥（Andrea da Verrocchio）画室中的学徒。尽管这幅创作于1475到1480年之间的画，是油画颜料的早期实验，年轻的达芬奇已经展现出自己对于这种媒介令人吃惊的掌握程度。在对卷发和皮肤的晕涂法处理上，体现出令人震惊的自然主义手法，他将手指蘸入湿颜料中，软化笔触；棕色的叶子最初是鲜绿色。最初的画板已经过切削，作品中曾经有模特的胳膊和手。
1《 酒 神 巴 卡 斯 》
作品描绘的是希腊神话的酒神巴卡斯，在作品中卡巴斯坐在一块石头上面，右手指向画外，仿佛要告诉观赏者什么。他身体强健，展现出强健之美，色彩的运用细腻柔和。虽然历经岁月的洗礼，却依然光彩照人。让我们不得不佩服大师达芬奇用色的高超。
1《 拈 花 圣 母 》
《拈花圣母》画于1478年。是意大利画家列奥纳多·达·芬奇的作品。它表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景。这幅画虽然也是采用宗教题材，但却完全排除了宗教画的气息，充满着浓厚的人情味。这里的圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠的面孔。圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。
1《 三 博 士 来 朝 》
《三博士来朝》是达芬奇的名画之一。这幅油画取材于圣经中耶稣诞生之时 东方三博士前来朝拜的故事。在这幅未竟之作中，画家不再以叙事角度简单罗列有关人物，而以激烈对比的构图和形象表现显示艺术上的创新：圣母、圣婴和三位博士形成三角形的稳定构图，周围的群众却以激动的手势环列左右，宛如人群组成的漩涡；背景上按精确的透视法画出的建筑遗迹和奔腾飞跃的马队也形成强烈的对照。在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15 世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。因此，这幅画虽未完成，却表明达芬奇的艺术探讨已大大超越同侪，预示文艺复兴风格的到来。
1《 圣 母 子 与 圣 安 妮 》
在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙--耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。
1《 圣 母 子 与 圣 安 妮、施 洗 者 圣 约 翰 》
《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》是达芬奇的炭笔画，作于1499年至1500年，现藏于英国伦敦英国国家美术馆。
《 施 洗 者 圣 约 翰 》
《施洗者圣约翰》是达芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身 *** 着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。
1《 受 胎 告 知 》
（ 佛 罗 伦 斯，乌 菲 兹 美 术 馆 藏 ）
这是一幅木板上的油画,现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。描写的是《新约全书·马太福音》之一章之一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达芬奇早期的杰作之一。圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而 怀了孕。在路加福音之一章中是这样记载的:天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:承蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。马利亚因这话很惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣。
《 维 特 鲁 威 人 》
（ 威 尼 斯，学 院 美 术 馆 藏 ）
《维特鲁威人》是一幅达芬奇依照维特鲁威定律所作的钢笔画素描，画在一张13.5×9.5英寸的纸上，现藏于威尼斯的学院美术馆。之所以藏在威尼斯，大概是因为弗拉·乔康多于1511年在威尼斯印刷了关于维特鲁威的作品的对开本，里面有一张依照这幅素描所作的版画。素描的上面和下面都是手写的小字，画中描绘了一男子，他摆出两个明显不同的姿势，这些姿势与画中两句话相互对应。之一个双脚并拢、双臂水平伸出的姿势诠释了素描下面的一句话：“人伸开的手臂的宽度等于他的身高。”另一个叠交在他身后的姿势是将双腿跨开，胳膊举高了一些，表达了更为专业的维特鲁威定律：如果你双腿跨开，使你的高度减少十四分之一，双臂伸出并抬高，直到你的中指的指尖与你头部更高处处于同一水平线上，你会发现你伸展开的四肢的中心就是你的肚脐，双腿之间会形成一个等边三角形。画中摆出这个姿势的男子被置于一个正方形中，正方形的每一条边等于24掌长，而正方形被包围在一个大大的圆圈里，他的肚脐就是圆心。这幅素描中所画的男子形象被世界公认为是最完美的人体黄金比例。
2《 岩 间 圣 母 1 》
《岩间圣母》是达芬奇的一幅传统宗教题材画作。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的圣母玛利亚以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子耶稣伸过去，天使乌列面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面，一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。这一组动作是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。达芬奇把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了文艺复兴盛期的古典主义金字塔式的人物构图。
2《岩 间 圣 母 2》
此画是岩间圣母第二副（之一副岩间圣母），在木板上，现为伦敦国立美术馆收藏。1482年达芬奇应圣弗朗切斯科教堂的邀请用蛋彩绘制祭坛画《岩间圣母》。用岩洞作圣母子的环境，有画中景和画外意：圣母子在大天使护卫下暂歇于岩洞，有一种安全感；选择岩洞作背景，起源于达芬奇记忆中的古佛罗伦萨采石场马雅诺，岩洞的深意在于宗教传说中圣者诞生的洞穴，内涵黑暗和光明，即指上帝的光辉是以圣母子为载体转化为人和他的苦难，让神圣的光明穿破黑暗，照亮世界。
2《 音 乐 家 肖 像 》
在达芬奇留存很少的男子肖像画中，《音乐家肖像》是其中具有代表性的一幅作品。这幅作品作于1485年，保存完好，对研究达芬奇的其他作品具有非常重要的意义。画中的音乐家名叫法朗基诺·加甫里奥，大概是服务于路德维科宫廷的一名青年乐师。他有着一头漂亮的卷发，神情严肃，手里拿着乐谱。由于达芬奇没有完成这幅肖像画，所以他也没在画中签名。关于画中人物的身份，人们有过种种猜测，还曾被当做是米兰的一位统治者。最后，艺术史家依据他颇具艺术家气质的面孔、修长的手指及手中的乐谱，推断他是一名音乐家。
圣母玛利亚有几个子女？
森林中居住的樵夫夫妇，他们有一个三岁的女儿，他们家非常穷，圣母玛利亚发了善心，收养了小女孩。
有一天圣母玛利亚要出远门，她把一串钥匙交给小女孩，告诉她绝对不可以打开第十三道门，可是小女孩没有听话，还撒了谎。小女孩被圣母惩罚了，她睁开眼睛后发现自己身处森林中并且没法说话了。过路的国王爱上了她，把她带回城堡娶她为妻。她生了三个孩子，圣母在她生每个孩子后都去问她一次：“你没有打开第十三扇门吧？”女孩坚持说没有。于是圣母带走了她的三个孩子，她被国民认为是个吃人的恶魔。终于在女孩要被火刑处死的时候，她承认了自己曾经犯过的错误，圣母下了一场雨，把火浇灭了，并把孩子和声音还给了她。这故事告诫大家，诚实是最美好的品德，犯错不可怕，说谎才可恶。
圣殇是真实事件吗？
圣殇：假的毕竟是假的
威尼斯电影节金鸡奖
男主是个不折不扣的 *** ，心狠手辣，手段极其残忍，在一家高利贷公司干着暴力讨债的工作，而且专门放贷给还不起钱的穷人，而穷人在借款时都要签署一份意外事故保险。
圣殇：一部残忍而真实的电影，看完你还敢借高利贷吗
由于高利贷的利息会在短期数月内利息高出本金几十倍，一些人由于生活所迫，就开始签署保险借高利贷。而还不上钱的人就由男主来讨债，这些人还债方式如出一辙，就是被匪强行掉一条手臂或者身体其他部位，利用保险金理赔方式骗高额取保费以此来抵消债务，很多人不堪重负，有的干脆服药自杀，还有的则上吊了结自己生命。
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就是这样一个独来独往，让人闻风丧胆的 *** ，生命中却突然出现了一个神秘女人，女人一进门就开始给男主收拾家务，男主一脸错愕，但女人却阴魂不散，并自称是男主的母亲，年轻时抛弃了他，现在想要尽可能的弥补男主，男主开始只当她是个疯婆子。但三番五次之后，女人留下了自己的 *** 就消失了，消失一段时间之后，男主心里就感觉到空落落的，这天他喝得酩酊大醉，看着女人的联系方式，沉思许久他把 *** 拨了过去，女人对着 *** 给他唱了一首摇篮曲，男主推开门才发现女人一直在楼道里从未离开他。为了证实他不是自己的妈妈妈，男主又给了女人一块生肉，如果对方吃下他才承认是自己母亲。女人吃了后发觉那居然是男主自己从腿上挖下的肉，她虽然觉得恶心，但还是硬着头皮吞咽下去。但依然男主不依不饶，趁着酒劲对女人耍起了流氓，男主即将施暴时，女人嚎啕大哭起来，男主渐渐恢复了理智，放开了他的兽行。女人给男主做饭，做家务，男主心里已经接纳了她。男主好奇，问女人有没有家庭和其他家人，女人不作声，只是若有所思地织着毛衣。一个凭空出现的失散母亲让这个铁石心肠的男主渐渐出现了软肋。
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和女人相处一段时间之后，男主也有了怜悯之心，讨债时意外放过一个即将当上爸爸的小师傅，而另一位欠高利贷的老人，他看着自己住了50年的街区，感慨万千，最终从7楼纵身一跃，一了百了。看着这位被逼跳楼的老人，男主沉思许久，他开始思考钱到底是什么东西？他问女人，女人给出了他答案——爱情、名誉、暴力、愤怒、恨、嫉妒、复仇。跟女人相处越久，那就对她越充满依赖，听到复仇两字，他开始紧张起，以前独身一人他无所畏惧，如今女人成了他的软肋，他害怕自己的仇家会拿她开刀，很快仇家找上门并挟用刀持女人，男主为了救女人，甩出飞刀，刺伤了仇家。
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此后女人给男主做生日，料理家务，男主逐渐觉得自己已经离不开这个凭空出现的母亲，然而怎知男主已经被玩弄于股掌之间，过完生日，女主带男主来到了河边，亲手种下一棵松树，并叮嘱男主，如果她死了就把她埋在这颗树下面。而后女人离开男主，自导自演了一出出苦肉计，他站在高高的烂尾楼上，假装自己被男主高利贷老板推下，纵身一跃，结束了自己的生命。
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按照约定，男主将女人埋在那棵松树下，不料在他挖坑时，发现了一具男尸，身上套着的正是母亲制的毛衣。真相一目了然，原来女人不是男主的母亲，毛衣是女人给自己的亲儿子织的，他儿子之前因为欠了债，被男主在自家作坊上吊自杀。然而这一切都是为了复仇，如果只是杀了男主的话，那太便宜他，于是便自导自演了一出大戏，目的是要让男主感受到和他一样的痛苦，这才叫杀人诛心，男主硬是把毛衣从尸体上扒了下来自己穿上，最后一次感受母亲的温暖。
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回归孤身一人的男主已然成了行尸走肉，他把自己拴在卖爆米花的女人车下，车子的开动，他也开始了自己的救赎之路。诚然这是一部残忍却又充满悲情的电影，虽说复仇类题材一直是韩国电影的家常菜，但这部电影却把一位母亲的复仇与救赎之路刻化的淋漓尽致，凄婉感人。
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凌晨公路上，一条血迹，一路延伸，极为震撼，男主虽然选择赴死，但他的人性已然觉醒，最终以这种方式完成心灵的救赎，他不再是一个野兽。
以上，就是圣母抱着死去的儿子，圣母抱着死去的儿子油画的全部内容了，如果大家还想了解更多，欢迎关注康晓百科网。
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